中国戏曲基础知识
中国戏曲是值得珍惜的文化遗产，是我国传统文化非常辉煌的产物。 以下是小编收集的中国戏曲基础知识。 让我们来看看。 我希望它可以帮助你！
中国戏曲主要由民间歌舞、说唱和小品三种不同的艺术形式组成。 它起源于原始歌舞，是一种历史悠久的综合性舞台艺术风格。 历经汉唐宋金，形成了较为完整的戏曲艺术。 它由文学、音乐、舞蹈、美术、武术、杂技和表演艺术组成，共有360多个门类。 其特点是多种艺术形式在一个标准下汇集在一起，在共同的属性中体现出各自的个性。
中国歌剧与希腊悲剧喜剧、印度梵剧并称为世界上最古老的三大戏剧文化。 经过长期的发展演变，逐渐形成了以“京剧、越剧、黄梅戏、评剧、豫剧”为核心的五部戏曲流派。 中国戏曲百花园。 中国戏曲的种类有很多。 据不完全统计，我国各民族地区的戏曲剧目有360多种，传统剧目数以万计。 其他知名剧种还有：昆剧、粤剧、淮剧、川剧、秦剧、晋剧、汉剧、河北梆子、河南水子、湘剧、黄梅戏、湖南花鼓戏等。
出生
戏曲表演的主要职业之一是扮演男性角色。 盛行最早出现在宋元时期的南戏中，后来除元曲外的各朝都有出现。 一般都是由青年人扮演青年人的角色，青年人是剧中的主角。 随着艺术的发展，学生根据所扮演的角色的年龄、身份、性格，被分为许多专业，如老生、小生、武生等。
老生
指中年以上的男性人物，用自己的声音（真声）唱歌、说话，基本留着胡须，所以又称“徐生”，如诸葛亮、蔺相如等。
利基
扮演青年男子，不化妆，不留胡须，相貌英俊潇洒，唱歌时用高亢假声，说话时也用真假声，如吕布、周瑜等。
吴胜
他们扮演的是擅长武术的青壮年男子。 他们分为两类：长期武术学员和短期武术学员。 长期习武的学生穿厚底靴子和铁戴（铠甲），武术和工架并重，如赵云、马超等。短战习武的学生穿紧身短衣。和薄底靴子，并以武打特技为主，如武松、林冲等，吴老生饰演中老年英雄角色。 吴胜还表演了部分勾脸戏（吴京戏）。 猴戏中的孙悟空通常由武圣扮演。
黎明
戏曲表演的主要职业之一是扮演女性角色。 旦这个称号最早出现在宋代的歌舞中。 宋剧已有旦角，此角历代都有。 大多根据人物的年龄、身份、性格和表演特点分为许多专业。
正旦
俗称“青衣”，因其饰演的角色常身着青色褶子而得名。 她们主要扮演冷峻的中青年女性，唱功为主，动作比较稳重，如王宝钏、秦香莲等。
花旦
她们多扮演年轻女子，常衣着短小，人物形象活泼，动作敏捷灵动，表演以做功、说话为主，如金玉女、萧青等。
道马丹
她们大多扮演善武、能唱、能演、能舞的中青年女性角色，如梁红玉、穆桂英等。
武旦
扮演善武勇猛的女性，注重武功，特别是利用绝技“打架”，如杨排风、孙二娘等。
老丹
扮演老年女性角色的职业主要凸显老年人的特点。 他们用自己的声音唱歌（其他旦角都是小声唱）。 唱腔接近老学生，但又带有女性化、迂回的韵味，如于太君、婆婆等。
花面
戏曲表演的主要职业之一。 一般认为是由杂剧赋经和金源本演变而来。 面部化妆用面具，唱歌用宽调或自由调，动作大开大合。 他们大多扮演性格刚烈的男性角色或粗鲁阴险的角色。 根据人物的性格、身份和艺术特点，分为很多专科，如京剧中的正经、伏经、武经等。
结尾
传统戏曲角色。 宋杂剧中有一个子招。 元剧的主角和最后一个人物，是正旦人物并重的两个主角。 明清时期成为独立职业。 人们常常扮演中年以上的男性，他们的社会地位比他们所扮演的角色低，但唱歌和表演同样出色。 近现代，大部分戏曲已并入老生行。
丑陋的
戏曲表演的主要职业之一。 喜剧角色。 由于鼻梁上抹了一块白色的粉，所以俗称“小花脸”。 又与京郊的大脸脸、二脸脸一起俗称“三脸脸”。 丑角存在于宋元时期的南戏中。 它既可以表现幽默诙谐的人物形象，也可以表现心灵丑陋、狡猾、卑鄙的人物形象。 根据人物的身份、性格和技术特点，分为文丑和武丑两大流派。
次要玩家
又称“文堂”、“通俗”。 她们在剧中扮演士兵、丈夫和其他随从的角色。 他们因穿着特殊的龙服而得名。 他们通常是四个人一组。 舞台上用一两个群众演员来代表人数众多，烘托气势。
折叠
歌剧的动作和场面都称为折子。 一次只表演一部大剧中相对完整的作品或选段称为“选段”。 摘录通常是一部大剧中最精彩的部分。 全体观众表演的大剧称为“全剧”。 如果某些大型剧目无法一次完成，需要多次演出，则称为“连拍剧”。
大结局
指表演选段中的倒数第二场。 因最后一部剧名为《大轴》而得名。 通常是最令人兴奋的。
梨园
是唐明帝在唐代开设的历史上规模最大的演员训练场。 “梨园”这个名字自起源以来就一直在京剧界使用。 世代相传，戏曲界被称为“梨园街”，这个行业被称为“梨园行”。 戏曲演员被称为“梨园弟子”，几代人从事这一职业的家庭被称为“梨园世家”。
学术背景
过去，一些戏曲演员是学徒，跟随师父学习。 他们在家里或私人接受个人教育。 师范班是后来出现的集体艺术学习组织，培养了大批艺术人才。 因为当时的演出单位不叫剧团，而是剧团，所以最早的专业都是剧团设立的。 经过严格训练的弟子被称为“专业毕业生”。
草台级
临时舞台称为“草舞台”。 旧时，经常在农村、集市搭建临时舞台演出的剧团被称为“草台剧团”。
变装
一般演员较少，设备简单，机动性较高。 职业演员偶尔会扮演与自己职业不同的角色，这就是所谓的“反串”。 它也用于男人冒充女人或女人冒充男人的情况。
爱好者
旧时是戏曲、曲艺等非专业演员、音乐家的统称。 他们临时参加正式演出被称为“客串”。 无伴奏或不化妆的演唱称为“无伴奏合唱”。
四技能五方法
指戏剧、戏曲演员唱、念、做、打的基本功（唱、念、做、武），俗称“四技”； 手、眼、身、法、步（手势、眼、身、术、步）统称为“五法”。
语气
不同品种的戏曲是通过演唱的声调来区分的，称为“声调”。 某些戏曲类型或剧种的曲牌在音乐或唱法上有很多共同点，称为曲牌，或归入曲牌体系。
全套服装
表演道具和服装。 狭义上，它只代表服饰。 一般按性别、年龄、社会地位进行装饰，不分朝代、地域、季节。 传统京剧剧目的服饰基本以明代服饰为蓝本。 主要有以下几类：蟒蛇，皇帝和高官佩戴的。 使用不同的颜色来标记级别。 黄色是最高贵的，是为皇帝保留的。 以下是洋红色、白色、红色、蓝色和黑色。 中下级官员所穿的官服，也根据等级分为不同颜色，红色为最高等级，黑色为最低等级。 那么，官员的平时服装有时是根据年龄来划分的：老年人的深红色，年轻人的红色和粉红色。 褶皱，日常休闲服装，可以是素色或花色。 老年人穿蓝色或蓝色，年轻人穿红色或粉色，读书人穿素蓝，穷人穿素黑，落魄者穿黑色褶子，上面有杂色丝片（又称“富贵衣”） ）。 将军铠甲开博，胸前有胸甲，腹部和肩部绣有虎头，背后插有四面旗帜，以显示将军的威严和庄重。 这些服饰男女大致相同，女装尺码略小。 此外，妇女专用的单品还有宫服、云肩、裙子、旗衣等，袖端缀有蟒纹、褶子、刺绣等一尺长的白丝，称为“水袖”。 英雄勇猛人物头盔上的两条五六尺长的雉尾饰物，称为“羽毛”。
在化妆方面，最有特色的是面部化妆，用浓墨勾勒出眉毛、眼窝、鼻窝、嘴角和面部线条，形成各种色彩斑斓的图案。 “忠贞之人，应予正相；恶邪之人，应予丑相。” 这是中国人审美评价的传统。 Facebook 就是这一传统审美原则的体现。 一般来说，脸红代表忠诚、性情正直； 紫色的脸意味着血性和冷静； 蓝色的脸表示凶猛、凶猛的气质； 黄脸表示内心强大，有心计； 黑脸意味着勇敢、鲁莽或无私； 白脸意味着勇敢、鲁莽或无私； 脸代表着虚伪、背叛、阴险和恶毒。 对于优秀的演员来说，脸谱也是帮助他塑造各种有血有肉的生动形象的重要手段。 还有不同流派的脸谱，与整个流派的艺术风格协调统一。 京剧脸谱比较著名的流派有钱派、豪派、侯派、柳派等。这种技法后来被借用到文学艺术形式中，被称为“京剧脸谱”。面部化”，这意味着简化。
检查现场
京剧舞台美术作品中还有一项叫做巡视。 它的作用是给舞台上的演员运送小道具和搬动桌椅； 帮助演员在舞台上添加或移除物品以及更换衣服； 当剧中要求演员进行危险动作时，起到安全保护作用； 巡查时还撒火，可立即使用松香粉撒上各种颜色的火，如“月门”、“过桥”、“连炮”、“塔楼”等，以表达熊熊火焰的场景或神灵和幻想的气氛。 新中国成立以来，为了保持舞台艺术的完整性，都用幕布或灯光遮盖巡视活动。
中国戏曲知识
中国汉剧主要由民间歌舞、说唱、小品三种不同的艺术形式组成。 它起源于原始歌舞，是一种历史悠久的综合性舞台艺术风格。 历经汉唐宋金，形成了较为完整的戏曲艺术。 它由文学、音乐、舞蹈、美术、武术、杂技和表演艺术组成，共有360多个门类。 其特点是多种艺术形式在一个标准下汇集在一起，在共同的属性中体现出各自的个性。 较著名的剧种：京剧、豫剧、越剧，被官员和戏迷誉为中国戏曲三强。 被称为中国五大剧种：京剧（东方“戏曲”）、豫剧、越剧、黄梅戏（香土气息）、评剧。 其他剧种有：昆剧、粤剧、淮剧、川剧、秦剧、晋剧、汉剧、河北梆子、湘剧、湖南花鼓剧等。
戏曲是中国汉族的传统艺术之一。 它有许多有趣的歌剧类型。 表演内容有歌舞、说唱、文艺、武术等。 它集“唱、演、读、打”于一体。 这在世界戏剧史上是绝无仅有的。 其主要特点是： 以汉族古典戏曲艺术集大成的京剧为例。 一是男扮女装（越剧中女扮男装的现象很常见）； 二是划分生、旦、网、丑四种职业； 三是夸张的化妆艺术。 ——面部化妆； 第四，“服装”（即戏曲服装、道具）有基本固定的款式和规格； 第五，用“节目”进行表演。 中国的民族戏曲有先秦的“戏子”，汉代的“百戏”，唐代的“参军戏”，宋代的杂剧，宋代的南戏。南宋的杂剧，元代的杂剧，直至清代地方戏曲的空前繁荣和京剧的发展。 形式。
中国戏曲的发展
芽
在原始社会，氏族聚居的村庄产生了原始的歌舞。 随着氏族逐渐强大，歌舞也逐渐发展和完善。 例如，在许多古老的农村地区，仍然保持着“傩戏”等悠久的歌舞传统； 与此同时，为满足人民群众的精神需求，还诞生了“社火”、“秧歌”等一些新的歌舞。 正是这些歌舞表演，造就了一批批技艺精湛的民间艺人，而他们在戏曲方向却进展甚微。
繁荣
12世纪中叶至13世纪初期，逐渐出现了专业的艺术、商业表演团体，以及反映市民生活和民意的元剧、晋元剧，如关汉卿的《窦娥冤》、马致远的《汉宫之秋》。 以及《赵家孤儿报仇》等作品。 这一时期是歌剧舞台的繁荣时期。
延长
十六世纪明朝中叶，江南兴起昆剧，出现了《十五关》、《詹花葵》等剧目。 这一时期深受农民喜爱的戏曲是弋阳戏，起源于安徽、江西。 昆剧深受封建上层阶级的喜爱。
全盛时期
明末清初的作品多是描写人民心中的英雄人物，如穆桂英、陶三春、赵匡胤等。此时的地方戏曲主要有北方的梆子和北方的梆子。来自南方的皮黄。 京剧是在清代地方戏曲高度繁荣的基础上诞生的。 同治、光绪年间，“同光京剧十三名家”中出现了第一代京剧表演艺术家和各流派大师，标志着京剧艺术的成熟和繁荣。 很快京剧就在全国各地发展起来，特别是在上海、天津。 京剧成为具有广泛影响的剧种，将中国的戏曲艺术推向了一个新的水平。
中国戏曲的主要特点
中国歌剧与希腊悲剧喜剧、印度梵剧并称为世界上最古老的三大戏剧文化。
历史上第一个使用“戏曲”一词的人是宋朝的刘询（1240-1319）。 他在《诗人吴永章传》中提出了“永嘉戏”。 他所说的“永嘉戏”，就是后人所说的“南戏”、“戏曲”、“永嘉杂剧”。 近代以来，从王国维开始，“戏曲”就被用作中国传统戏剧文化的总称。
歌剧是一门综合艺术，是时间艺术和空间艺术的综合体。 这种综合性是世界各地戏剧文化所共有的，而中国戏曲的综合性尤其突出。
中国戏曲是以唱、念、做、打综合表演为中心的戏剧形式。 它具有丰富的艺术表现手段，与表演艺术的紧密结合，使中国戏曲充满了特殊的魅力。 它集歌词之美、音乐之美、艺术之美、表演之美于一体，用节奏驾驭在一出戏中，达到和谐统一，充分调动各种艺术手段的感染力，形成具有中国特色的鲜明节奏的表演。 艺术。
中国戏曲最重要的特点是虚拟性。 舞台艺术并不是简单地模仿生活，而是对生活原型进行选择、提炼、夸张和美化，将观众直接带入艺术的殿堂。
中国戏曲的另一个艺术特点是程式化，比如关门、上马、划船等，都有一套固定的程序。 歌剧的节目既规范又灵活，所以歌剧艺术被称为有规则的自由活动是恰当的。
综合性、虚拟性、程序性是中国戏曲的主要艺术特征。 这些特点体现了中国传统文化审美思想的精髓，形成了独特的戏剧观，使中国戏曲在世界戏曲文化的大舞台上闪耀着其独特的艺术光彩。
戏曲知识：川剧
川剧起源于18世纪中叶，清朝乾隆年间（1736-1795）。 它直接继承和发扬了中国民族戏曲的优秀传统。 经过许多前辈艺术家的辛勤努力，从古典戏曲中成功吸收昆曲、弋阳戏，这些戏曲流入四川后，受到四川当地语言和民间音乐的影响并与之结合。 经过长期的变革和演变，形成了独具特色的戏曲。 是一部内涵丰富、艺术风格独特、具有浓郁四川地方色彩的地方戏曲。
川剧早期，只有少数剧团只使用一种腔调，如纯丝弦剧团（胡琴腔）。 著名的有成都的“太虹剧团”、重庆的“毕升剧团”、“吉群剧团”等。 “同庆班”、“同庆班”，以及后来由胡琴调和高腔调组成的“琵琶梁开”组。 川剧几种声腔的真正结合发生在1911年辛亥革命之后，当时各大城市都建立了茶馆。 为川剧的发展提供了重要基础。 由于有固定的表演场地——茶馆这一固定的市民娱乐场所，客观上为川剧表演提供了理想的场所和较好的物质条件。 而且不仅是这些专业团队，普通百姓也喜欢参与。 这种业余表演，在四川被称为“耍友”或“外鼓”，是老百姓重要的娱乐形式，为川剧的发展提供了宝贵的机遇。 大众基础。 解放后，川剧发展更加完善。 在整理出一大批完整、优秀的传统剧目的同时，也创作了许多新剧目。 20世纪80年代以后，四川省有专业川剧团127个，云南、贵州有十多个专业团。
川剧是以音乐、舞蹈、叙述为表现手段，以写意为主，虚实结合的表演艺术。 它打破了时间和空间的限制，在有限的空间里展示广泛的内容。
在音乐上，川剧音乐独具特色。 它的打击乐非常精彩。 川剧锣鼓是各类戏曲打击乐中的佼佼者。 它声音强劲，节奏鲜明多变，音色独特。 该品牌非常复杂且极其多样化。 贯穿五种曲调，与演员的唱腔和唱相得益彰。 做、念、玩紧密相连； 川剧吹打音乐也是川剧中最重要的内容，有很多唢呐曲调和锣鼓； 川剧丝竹乐多用胡琴、笛子曲调演奏。 从使用上来说，昆曲使用的是曲笛和胡琴。 曲子用小胡琴，戏曲用封面，灯戏伴奏用“迷胡”。 音乐风格多样，富有艺术特色。
从人物造型上来说，可分为生、旦、净、魔、丑五大角色。 过去，所有角色均由男演员扮演。 上世纪初，女演员开始出现，提高和丰富了旦角的表演艺术。
川剧服饰与京剧一样精致、艺术。 静、丑都有脸谱。 小丑的脸谱是在鼻梁上画白色方块，称为“华鼻梁”。 人物有正面人物，也有反面人物，体现的是庄羽。 和谐; 网角，又称“花脸”，脸谱造型丰富多彩，忠奸分明。 黑色代表刚毅和正直，白色代表背叛和凶恶，红色代表忠诚和勇敢，绿色代表侠义，蓝色代表坚忍，黄色代表残酷和暴虐，金银面代表神圣威严。 它具有很强的概括性和想象力，向人们展示了一个丰富多彩的世界。
川剧拥有许多享誉全国的著名演员。 女角方面，著名演员有杨友和、陈淑芳、景华、杨淑英； 生角色中，著名演员有田籁、贾培智、张德成、司徒慧聪； 小丑角色有杨成吉、周启和、周宇翔、陈全博。 他们在全国都很有名。 其中，中国邮政发行了陈淑芳纪念邮票，这是她在《思凡》中的亮相； 周其和与京剧萧昌华齐名，被誉为川剧幽默大师； 杨友和、周其和表演的《秋江》，演员仅凭一根木桨，化身神形，呈现出波光粼粼、小船荡漾的景象。京剧大师梅兰芳曾称赞：“我们不”不敢玩《钓鱼灭家》！”； 传统川剧《白娘子传奇》中，“金山寺”场景中，紫金钹变三种形态，守护者韦驮踢腿
中国戏曲的起源
先秦时期
(1)先秦时期——戏曲的萌芽时期。 《诗经》中的《颂》和《楚辞》中的《九歌》都是祭祀神灵时的歌舞歌词。 从春秋战国到汉代，娱乐人的歌舞逐渐从娱乐神灵的歌舞演变而来。 从汉魏到中唐，先后出现了以竞赛为主的“角戏”（即白戏）、问答形式的“参军戏”和歌舞。还有表演短篇人生故事的舞蹈《塔窝娘》等，都是戏剧的萌芽阶段。
唐中后期
(2)唐代(中后期)——戏曲的形成时期。 中唐以后，我国戏剧迅速发展，戏剧艺术逐渐形成。
宋金时期
(3)宋金时期——戏曲的发展时期。 宋代的“杂剧”、金代的“元本”和说唱形式的“诸公调”，从音乐、结构到内容，都奠定了元代杂剧的基础。
元朝时期
(4)元代——戏曲的成熟时期。 到了元代，“杂剧”在原有的基础上有了很大的发展，成为一种新的剧种。 它具备了戏剧的基本特征，标志着我国戏剧进入了成熟阶段。 其中，最杰出的作曲家是关汉卿，其代表作《窦娥冤》历来为后人所称道。
明清时期
(5)明清时期——戏曲的繁盛时期。 戏曲传入明代，传说便产生了。 《明传奇》的前身是宋元时期的南戏（南戏是南曲的简称，是以宋代杂剧为基础，结合南方曲调的新兴戏剧形式）地区。温州是其发源地）。
南戏的结构与北杂剧不同，不以四折为限，也不以一人唱到底。 它有一个解释情节的开头，并且大多有一个幸福的结局。 与北方杂剧不同，风格大多比较缠绵。 形式慷慨激昂、自由自在，更容易表达生活。
遗憾的是，早期南剧的剧本保存下来的很少。 直到元末明初，南戏才开始兴盛起来。 经过文人的加工和完善，这部原本不够严谨的短剧终于变成了一部相当完整的长剧。 比如高明的《琵琶记》就是一部从南戏过渡到传奇的作品。 这部作品的题材来源于民间传说。 它把故事呈现得比较完整，具有一定的戏剧性。 曾被誉为“南戏复兴之祖”。
明代中叶，涌现出一大批传奇作家和剧本，其中以汤显祖最为成功。 他一生写下了许多传奇剧本，《牡丹亭》就是他的代表作。 作品通过杜丽娘与柳梦梅生死离别、分离的故事，歌颂了杜丽娘反抗封建礼教、追求幸福爱情、个性解放的精神。 作者赋予爱情起死回生的力量，战胜了封建礼教的束缚，取得了最后的胜利。 这一点在当时封建礼教牢固统治的社会具有深远的社会意义。 该剧自问世三百年以来，一直深受读者和观众的喜爱。 时至今日，《女校》、《梦》等片段依然活跃在戏曲表演的舞台上，散发着其艺术的光辉。
唐代对戏曲的影响
唐代是中国封建社会经济、政治、文化高度发展的时期。 中国戏曲正是在这个历史时期产生的。 高度发达的政治经济为歌剧的产生提供了重要的社会条件，蓬勃发展的文化艺术为歌剧提供了无与伦比的物质基础，从而极大地推动了歌剧的形成进程。
唐代文学艺术的繁荣是经济高水平发展的结果，促进了戏曲艺术的独立，为戏曲艺术提供了丰富的营养。 诗歌的节奏和叙事诗的成熟给歌剧带来了决定性的影响。 音乐和舞蹈的繁荣为戏曲提供了最坚实的演唱基础。 教坊梨园的专业研究和正规培训，提高了艺术家的艺术水平，加快了歌舞戏剧化进程，创作出了一批用歌舞讲故事的戏曲剧目。
在盛世开元时代，安居乐业，必然需要更多的文化娱乐，尤其是群众戏曲活动和民俗娱乐活动，更多地趋向于闲暇时的“自娱类”娱乐，这也是一种娱乐方式。他们交流感情、学习文化。 ，学习历史和道德的一种形式。
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